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| Andrea Good (1968), Wülflingen, Ilfochrome, 2001. Copyright Andrea Good. |
L’INCONSCIO
POSSIBILE. PARALLELISMI IN MOVIMENTO NELL’ARTE FOTOGRAFICA.
Stefania Beretta, Andrea Good, Dorothee von Rechenberg, Alessandra Spranzi, Annelies Štrba, Mark Yashaev
Vernissage Sabato 28 febbraio 2015 dalle 17:30
28 febbraio – 10 maggio 2015
Ve-sa-do dalle 14:00 alle 18:00
L’INCONSCIO POSSIBILE. PARALLELISMI IN MOVIMENTO
NELL’ARTE FOTOGRAFICA è il
titolo dell’esposizione inaugurale della stagione 2015 del MACT/CACT, che vede
protagonisti autori operanti prevalentemente con o attingendo dalla macchina
fotografica, e rendendo tuttavia labili i confini tra il concetto di
‘fotografia’ e quello più generico e parallelo di ‘arte’. Dagli anni
Cinquanta-Sessanta del Novecento si constata una fascinazione per la
tecnologia, tale da concepire – a partire dagli anni Settanta – anche la
Fotografia come espressione artistica. Gli influssi che ne derivano sono
innumerevoli e sfaccettati: il film, il cinema, il videoclip, il linguaggio
della grafica pubblicitaria, il fumetto e l’animazione, la performance, il
documentario etc. Ecco che ciò che da un certo punto di vista aveva allora una
sua forte identità (cioè lavorare sull’idea di ‘fotografia pura’), da quegli
anni in poi questo linguaggio perde la sua specifica connotazione per liberarsi
e ibridarsi con altre forme produttive e parallele. Nell’ambito dell’arte più
tradizionale rispetto alla fotografia, invece, questo fenomeno si solidificherà
più tardi, dando così forma conclamata a quella società artistica trans-mediale
e post-contemporanea, meglio riconducibile a manifestazioni sempre più omogenee
e unisessuali che hanno contribuito a delineare viepiù i contorni di una
società debole e tribale come la nostra.
Gli artisti che abbiamo analizzato e scelto si
inseriscono a pieno titolo in quel gruppo di autori, che si sono chinati, agli
albori di questo processo di rinnovamento all’interno del rapporto arte-tecnologia,
sullo studio della macchina come fenomeno da esaminare in relazione a una
società che cambia e che vede una pericolosa prevaricazione – anche dal punto
di vista della comunicazione e della propaganda o proselitismo
economico-politici – del ‘mezzo’ sul ‘messaggio’. L’indagine resasi necessaria
nel corso degli ultimi anni è stata quella di capire in che misura il
significante si anteponesse al significato, creando una sua vera e propria
estetica; un’indagine che oggi, in tutti gli ambiti della produzione artistica,
si pone come comprensione dell’arte in rapporto alla propria definizione
formale indotta dalla tecnologia stessa o, per esempio, dal mercato
ricollegabile all’universo dell’informazione politico-commerciale o dei network
sociali. Ogni studio serio sull’estetica dell’arte passa inevitabilmente
attraverso la critica e la rimessa in discussione dell’arte ‘estetica’.
Se nel Golden Age della fotografia, essa
stessa assumeva il peso della propria responsabilità, oggi si discute di
fotografia per vie bi- o polilaterali, laddove l’artista pone l’accento della
sua ricerca sulla trans-medialità del mezzo di produzione, ossia la negazione
di qualsivoglia sua predominanza.
Così, gli artisti di questa mostra, pur
utilizzando la macchina fotografia come il pittore il proprio pennello e la
tavolozza, si allontanano dalla tradizione della Fotografia e superano anche
l’imbarazzo della macchina come elemento pregnante e di fondamentale produzione
estetica.
Mario Casanova, 2014
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| Stefania Beretta (1957), paesaggi improbabili #18, 2013, sewed C print. ©stefaniaberetta |
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| Stefania Beretta (1957), paesaggi improbabili #33, 2014, sewed C print. ©stefaniaberetta |
THE POTENTIAL OF THE UNCONSCIOUS:
MOVING PARALLELS IN PHOTOGRAPHIC ART.
Stefania Beretta, Andrea Good, Dorothee von Rechenberg, Alessandra Spranzi, Annelies Štrba, Mark Yashaev
Vernissage Saturday 28 February 2015 at 17:30
28 February – 10 May 2015
Fri-Sat-Sun, 14:00 – 18:00 p.m.
THE POTENTIAL OF THE UNCONSCIOUS: MOVING PARALLELS IN
PHOTOGRAPHIC ART is the title
of the exhibition that inaugurates the 2015 season at the MACT/CACT, featuring
artists who either work primarily with the camera or who draw on its potential,
and making the borders between the concept of ‘photography’ and its more
generic and parallel peer of ‘art’ permeable. At some time in the fifties and
sixties of the last century, artists started becoming intrigued with
technology, so much so as to induce many of them, by the seventies, to perceive
photography as an artistic expression. In time, this has unleashed a great
number and variety of influences, in film, the cinema, video, the lexicon of
advertising graphics, still and animated cartoons, performance art,
documentaries and so on. This is how it came about that a genre that, from a
certain standpoint, had a strong identity of its own at that time (i.e. working
on the idea of ‘pure photography’), thenceforth lost its specific connotation,
took to the wing and cross-fertilised with other and parallel forms of
production. In the area of traditional art, however, this phenomenon took
rather longer to crystallise than in that of photography, in due course giving
evident form to the trans-medial and post-contemporary artistic society that is
more usually derived from increasingly homogeneous and unisex manifestations
that have contributed to clarifying the outlines of a weak, tribal society like
ours.
The artists we have analysed and chosen have every
right to be classified among the group of authors who, in the early days of
this process of renewal taking place within art’s relationship with technology,
focused on studying the machine as a phenomenon to be examined, in a society
undergoing change and witnessing a dangerous prevalence – also from the point
of view of communications and of economic and political propaganda and
proselytism – of the ‘medium’ over the ‘message’. The investigation that became
necessary in the course of the last few years aimed to understand the extent to
which the signifier comes before the significance, creating an aesthetic all of
its own. These days, this is an investigation that takes the form – in all
areas of artistic production – of understanding art in relation to its formal
definition as induced by technology itself or, for example, by the market that
can be related to the world of political and commercial information or of the
social networks. Every serious study about art passes inevitably through a
process of criticising and questioning what qualifies as ‘aesthetic’ art.
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Dorothee von Rechenberg (1947), Scene #8 out of the series Scenes,
2010-2011.
Copyright Dorothee von Rechenberg.
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While in the Golden Age of photography, it
acknowledged all the weight of its own responsibility, these days it is
discussed in bi- or multilateral terms, when the artist focuses on researching
the trans-medial character of the means of production, i.e. on the denial of
its predominance in any form.
So although the artists whose works are on show in
this exhibition use their cameras like painters would use their brushes and
palette, they depart from the traditions of photography and also overcome the
embarrassment of the machine as the pregnant element fundamental to aesthetic
production.
Mario
Casanova, 2014 [translation Pete Kercher]
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| Mark Yashaev (1981) walking in front of his INSTALLATION WITHIN INSTALLATION, 2015. Site specific photografic work. Copyright Mark Yashaev. Courtesy MACT/CACT. |
Vernissage / Ph. Pier Giorgio De Pinto © PRO LITTERIS Zürich
Visuals about the exhibition / Ph. Pier Giorgio De Pinto © PRO LITTERIS Zürich.
Guided tour. Students of the Highschool in Bellinzona, History of art, Prof. Sara Foletti / Ph. Pier Giorgio De Pinto © PRO LITTERIS Zürich.
MACT/CACT Arte Contemporanea Ticino è sostenuto
finanziariamente e culturalmente da Repubblica e Cantone del Ticino/Swisslos, Amici del
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gli Artisti.
MACT/CACT Suisse enjoys the financial and cultural support of Republic and Canton of Ticino/Swisslos, Friends of MACT/CACT, Associazione Svizzera-Israele/Sezione Ticino, City of Bellinzona, the Artists.
