All photos by by Pier Giorgio De Pinto © PRO LITTERIS / Zürich
THE CALLIGRAPHY OF SENTIMENT
Miki Tallone
Opening__Saturday 23 February 2013 at 5.30 p.m.
23 February – 24 March 2013 / Fri-Sat-Sun_2.00
- 6.00 p.m. / Free entry
Non all shit of the
kind we remember from Piero Manzoni [inspired by his Artist’s Shit, 1961, Ed.] is actually attributable to an artist. If
Mutt R. (a reference to “Mutter”, the German for Mother) back in 1917 had not
reflected carefully about the paradoxically historical items he could observe
around himself, then he – Marcel Duchamp – would not have launched into such an
obstructive discussion about the fluidification of twentieth-century artistic
stylemes in relation to the socio-political situation of the day, such as the
evaluation of the relationship between thought and its representation, which
provided the tools for such a subjectivisation as to justify any kind of
attitude or of pose as an artistic element. The complete and utter questioning
of art as a product, which decades later became a standard and specious aspect
of the avant-garde that permeated and to a certain extent inhibited the entire
Short Century, more particularly the second part of the Novecento, also redrew
the borders of art criticism. Thus did art break free of the bounds set by the
idea of visual representation, becoming a political position and approach and
in its turn conspiring against traditional artistic practice. In the process,
it became detached from being-what-is-felt, almost freeze-drying art’s own
emotional essence, to the point of subverting its aesthetic criteria as a
consequence. This was the genesis of a new type of stylisation of inner creativity.
The concept of “art
for art’s sake” is now experiencing a marked identity crisis and, although MIKI TALLONE reiterates minimalist
idioms concentrated on the grace of the container, her work orbits around inner
research, investigating and justifying its contents. Context and de-context, construction
and de-construction, in and out, the concept of overturning the relationship
between subject and object, fragmentation and de-fragmentation: this Swiss
artist walks a tightrope between conceptual art and the conceptualisation of
artistic practice.
To get back to the
point where this short introduction started and stick to the strictly metabolic
field – without neglecting references to performances in the style of body art,
in which the historian Lea Vergine in the seventies of the last century went so
far as to rule out the cultural dimension within this overturned creative process
involving the artist (subject-object) and the work – Miki Tallone summarises
and elaborates on these elements in her THE
CALLIGRAPHY OF SENTIMENT, to achieve a discursive work developed on the
concept of the installation, which expands to occupy all the rooms available in
the Centre, while also incorporating a contextual, Situationist and performance
facet in the way it involves the public. To enter physically into Miki Tallone’s
installation is not only to submit to the process of cannibalisation, but also
to place the artist firmly within the historical and critical confines of Body
Art, singling her out on the borderline between the subjective and the
objective ego, between being the artist and at the same time an open work
through which the public can pass.
Relatively
conscious that a work of art does not exist merely for its own sake, this Swiss
artist (winner of the 2012 Swiss Award) ponders the perverse relationship
between the work of art and its enjoyment, in other words that between the artist
and her public, reviving the previously-mentioned themes of the artistic and
analytical decomposition and reconstruction of concepts linked fundamentally to
man, in particular to the artist’s own more intimate and personal facets. To do
so, she revives the dialogue between the tradition of representation and a
certain concealment of it propounded by Duchamp, using an idiom whose minimalism does not stop its
conceptual energy from reaching into the sphere of intimate perception, as a
result of a choice of materials as obsessive as it is sensual.
Against the
backdrop of a theatrical reversal of roles, THE CALLIGRAPHY OF SENTIMENT redesigns the rising consciousness of
the artist’s body through the body of her public, as a part of this highly
expressive and symbolic metabolism. A Social Body that accesses and is
transformed into the Artistic Body.
LA
GRAFIA DEL SENTIMENTO
Miki
Tallone
Vernissage__sabato
23 febbraio 2013 dalle 17:30
23 febbraio – 24 marzo 2013 / ve-sa-do_14:00-18:00 / Ingresso
gratuito
Non tutta la ‘merda’ di manzoniana memoria
[N.d.R. Piero Manzoni, Merda d’artista,
1961] è ‘d’artista’. Se Mutt R. (rimando a Mutter, dal tedesco Madre), nel
1917, non avesse riflettuto attentamente su ciò che di paradossalmente storico
egli poté vedere attorno a sé, egli, Marcel Duchamp, non avrebbe aperto un dibattito
ingombrante attorno alla fluidificazione degli stilemi artistici del Novecento
in relazione alla situazione socio/politica dell’epoca: come la valutazione del
rapporto pensiero/rappresentazione, che fornì gli strumenti per una
soggettivizzazione tale da giustificare come elemento artistico qualsiasi tipo
di atteggiamento e di posa. La totale rimessa in discussione dell’arte come
prodotto, divenendo decenni dopo consueto e pretestuoso aspetto
dell’avanguardia che ha permeato e in qualche modo inibito tutto il Secolo Breve,
in particolare il secondo Novecento, ha pure ridisegnato i confini della
critica d’arte. Ecco che l’arte si emancipa quindi dall’idea di
rappresentazione visiva, divenendo approccio/posizione politica e cospirando a
sua volta contro la pratica artistica tradizionale. Essa si stacca
dall’essere-ciò-che-si-sente, quasi liofilizzando l’arte stessa nella sua essenza
emozionale fino a sovvertirne conseguentemente i criteri estetici. Un nuovo
tipo di stilizzazione della creatività interiore nasce.
Il concetto, secondo il quale ‘l’arte esiste
in quanto tale’, sta oggi attraversando una forte crisi d’identità e MIKI TALLONE, pur reiterando linguaggi
minimalisti concentrati sulla grazia del contenitore, opera attorno alla ricerca
interiore, indagandone e giustificandone i contenuti. Contesto e de-contesto, costruzione
e de-costruzione, in/out, concetto di ribaltamento tra oggetto e soggetto, frammentazione/de-frammentazione,
l’artista svizzera si colloca in bilico tra arte concettuale e
concettualizzazione della pratica artistica.
Per tornare all’incipit di questo scritto
breve e rimanere in ambito prettamente metabolico – non senza riferimento alla
performance dal taglio bodyartistico, laddove la storica Lea Vergine escludeva,
negli anni ’70, perfino la dimensione culturale all’interno di questo processo
creativo ribaltato autore (oggetto/soggetto)-opera – Miki Tallone riassume ed
elabora, con LA GRAFIA DEL SENTIMENTO,
questi elementi per la realizzazione di un lavoro discorsivo a carattere
installativo dilatato su tutte le sale del Centro, ma anche contestuale,
situazionista e performativo nel coinvolgimento del pubblico. Entrare
fisicamente nell’installazione di Miki Tallone significa non solo soggiacere al
processo di cannibalizzazione, bensì pone anche l’artista entro i criteri
storici della Body Art, isolandola sul bordo tra IO soggettivo e oggettivo, tra
essere autrice e nello stesso tempo opera aperta dentro la quale il pubblico
transita.
Relativamente consapevole che un lavoro d’arte
non esiste solo in quanto tale, l’artista svizzera (Swiss Award 2012) riflette
sul perverso rapporto opera-fruizione, come dire artista-pubblico, riprendendo
i già citati temi della decomposizione e ricostruzione artistico-analitica di
concetti fondamentalmente legati all’uomo, in particolare agli stessi aspetti
più intimi e personali dell’artista. Lo fa, quindi, rimettendo in dialogo
tradizione della rappresentazione e suo certo occultamento di duchampiana
memoria, grazie a un linguaggio minimale, ove l’energia concettuale si estende,
però, alla sfera della percezione intimista grazie a una scelta maniacale quanto
sensuale dei materiali.
Sullo sfondo di un teatro del ribaltamento, LA GRAFIA DEL SENTIMENTO ridisegna la
presa di coscienza del corpo dell’artista attraverso il corpo del suo pubblico
come parte di questo metabolismo altamente espressivo e simbolico. Un Corpo
sociale che accede e si trasforma nel Corpo artistico.
