SUMMER PROJECT__Miki Tallone / MACT Museo d’Arte Contemporanea Ticino

Opening last night. The first few impressions... Until August the 12th, 2012

SUMMER PROJECT__Miki Tallone

MACT Museo d’Arte Contemporanea Ticino

Giona Bernardi, Alex Hanimann, Valter Luca Signorile

All photographs by Pier Giorgio De Pinto © PRO LITTERIS / Zurich)

GEOGRAFIE INTERIORI at CACT Switzerland

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GEOGRAFIE INTERIORI

Mirko Aretini__BODY IDENTITY

Pier Giorgio De Pinto__FUTURE IS NOW

Vernissage__sabato 11 giugno 2011 alle 17:30

11 giugno – 17 luglio 2011

Ve-sa-do_14:00-18:00 e su appuntamento

 Il prossimo 11 giugno 2011 alle ore 17:30 si aprono al CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino due mostre personali: BODY IDENTITY di Mirko Aretini (Svizzera, 1984) e FUTURE IS NOW di Pier Giorgio De Pinto (Svizzera, 1968).

Riunite sotto un titolo che riassume l’impostazione tematica del curatore – GEOGRAFIE INTERIORI – le due esposizioni presentano punti di contatto tematici per quanto attiene alla definizione di identità attraverso il corpo e la società di cui è parte.

Con FUTURE IS NOW, Pier Giorgio De Pinto prosegue lo studio attorno alle mille sfaccettature del corpo, mettendo a fuoco un tema antico quanto l’uomo e che nasce con l’uomo come espressione e limite della propria identità storica. La riflessione che ne fa De Pinto è quella di esprimere il concetto di definizione, declinandola alla società degli ultimi 20-30 anni; cioè quella della virtualizzazione tecnologica strettamente legata all’espressione massificata dell’intimo. Attraverso mappature del corpo reale elaborate al computer, a ricreare generalità parallele e immateriali, alimentando così la fantasia telematica di cui la società borghese in questa sua ultima fase ha bisogno, De Pinto ricrea un’appendice importante alla sua opera, globalmente concepita come CORPUS. Un Genius Loci come confronto territoriale e nuova definizione geografica/geometrica con il corpo nel senso delle sue ‘divine’ proporzioni. L’aspetto di definizione non solo corporale, ma come viaggio e rotta da seguire sul corpo, si declina con gli aspetti esoterici contemporanei in rapporto alle forme archetipiche del passato.

Presentato più volte al CACT, per questa sua prima personale Mirko Aretini presenta un’opera inedita del 2010; un corpo video composto da sette frammenti ch’egli ha realizzato a Las Vegas: BODY IDENTITY. Il linguaggio prediletto da Aretini è quello del cinema o del film in generale, e l’opera è composta da sette piccole, ma intense, icone, cui l’autore ha dato corpo durante le riprese del suo film N.D.E. (Near Death Experience). È sicuramente parte di una ricerca filmica più ampia sul tema del saper guardare e vedere la rappresentazione, affrontando la definizione (del corpo) attraverso pornografia, realtà registrata, mercificazione dell’uomo e del suo contesto sociale, segno di una società contemporanea del commercio di immagini.

On 11 June 2011 at 5.30 p.m., two one-man shows will be opening at the CACT Centre of Contemporary Art in Canton Ticino: BODY IDENTITY by Mirko Aretini (Switzerland, 1984) and FUTURE IS NOW by Pier Giorgio De Pinto (Switzerland, 1968).

Brought together under a single title that neatly expresses the curator’s thematic approach –HIDDEN GEOGRAPHIES – the two exhibitions have points of topical contact, as they both use the body and the society to which it belongs to define the concept of identity.

With FUTURE IS NOW, Pier Giorgio De Pinto continues his study of the body’s thousands of different facets, zooming in to focus on a topic as old as man himself, one that first came about with man as the expression and the limit of his historical identity. De Pinto’s thinking induces him to express the concept of definition, adapting it to suit society in the last 20-30 years, i.e. the society that has experienced technological virtualisation as a close corollary of the mass expression of intimacy. Using computer-processed mappings of the real body to devise parallel, non-material generalities, thus further feeding the computerised fantasy that seems to be so vital to bourgeois society in this latest phase, De Pinto has generated an important addition to his opus, which is conceived of globally as CORPUS. A Spirit of Place as a territorial comparison and a new geographic/geometric definition, using the body in terms of its “divine” proportions. This aspect of definition is not restricted to the body alone, but includes a journey, whose route can be plotted on the body, developing in terms of contemporary esoteric features and how they relate to the archetypal forms of the past.

Already shown at the CACT on several occasions in the past, for this first one-man show Mirko Aretini has decided to present a piece created in 2010 but never shown to the public before now: BODY IDENTITY is a video body comprising seven fragments that he made in Las Vegas. As Aretini’s favourite idiom is that of the cinema or of film in general, this piece is made up of seven small but intense icons, which the artist created while shooting for his film N.D.E. (Near Death Experience). This is certainly part of a more extensive film research project, in which the artist investigates how we observe and see representation, tackling it by defining (the body) through pornography, a recorded form of reality and commercialisation of man and his social context, a sign of the contemporary society that trades in images.

Mario Casanova, 2011 [translation Pete Kercher]

PNEUMA: VIDEO!!!

Ecco il video della perfomance, audio originale in presa diretta!

Here the video of the performance, original live audio!

On youtube here:
http://www.youtube.com/watch?v=P_sMFIhu3gg

PNEUMA_PERFORMANCE PHOTO SET!

A magic moment indeed!

PNEUMA [pnèu-ma]

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Il CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino Vi invita cordialmente a

PNEUMA [pnèu-ma] (2011), performance di PIER GIORGIO DE PINTO interpretata da

SARA NESTI, coreografa e performer, GIOVANNI DAL MONTE, compositore, musicista e performer e PIER GIORGIO DE PINTO.

Regia di Pier Giorgio De Pinto

Sabato 28 maggio 2011, ore 21:30 (1° rappresentazione) e ore 22:30 (2° rappresentazione)

ENTRATA LIBERA

  

La ragione umana ha solo bisogno di volontà più forte del destino, e Lei è il destino. (Thomas Mann, La montagna incantata (Der Zauberberg), 1924.)

Ispirato da La montagna incantata di Thomas Mann, Pier Giorgio De Pinto (Italia-Svizzera, 1968) dà corpo a questo nuovo lavoro performativo dal titolo evocatore Pneuma attorno al tema del respiro, del soffio vitale, ma anche anima, principio originario e archetipo come connessione alla vita e alla realtà (im)materiale dell’uomo.

Inoltre, la concomitanza di affinità personali e professionali tra l’autore, la danzatrice Sara Nesti (Italia, 1973) e il compositore Giovanni Dal Monte (Italia, 1967), già autore di sound per i suoi video, fa di questa performance un omaggio all’attrice e al compositore stessi nel loro divenire personale, tra immaginario soggettivo e globale, lentamente trasceso entro l’evoluzione della performance.

Le musiche, appositamente create dal compositore e musicista Giovanni Dal Monte, accompagnano questa metamorfosi. Nel brano musicale, reso universale poiché comprende anche un coro cantato in esperanto, si percepiscono suggestioni che ci connettono al vasto mistero della natura e al ciclo vitale dell’essere umano.

RSVP – Per questioni organizzative, Vi preghiamo cortesemente di voler notificare la Vostra presenza inviando un mail a info@cacticino.net.

CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino cordially invites you to

PNEUMA [pnèu-ma] (2011), performance of PIER GIORGIO DE PINTO played by

SARA NESTI, choreographer and performer, GIOVANNI DAL MONTE, composer, musician and performer and PIER GIORGIO DE PINTO.

Directed by Pier Giorgio De Pinto

Saturday 28 May 2011, at 9.30 p.m. (1^st performance) and at 10.30 p.m. (2^nd performance)

FREE ADMISSION

 

Human reason needs only to will more strongly than fate, and She is fate. (Thomas Mann, The magic mountain (Der Zauberberg), 1924.)

Inspired by The magic mountain by Thomas Mann, Pier Giorgio De Pinto (Italy-Switzerland, 1968) created this new performative work entitled Pneuma. Thematically the performance evokes the theme of breathing, of the vital blow and soul as well; of the original beginning and archetype linked to life and (im)material human reality.

Besides, the merge of personal and professional affinities among the author, the dancer Sara Nesti (Italy, 1973) and the composer Giovanni Dal Monte (Italy, 1967), who already composed many times sound tracks for his video works, transforms Pneuma performance into an homage to actress and composer for their personal becoming, in balance between subjective and global imagery slowly transcended into the evolution of the performance itself.

The sounds, especially created by the composer and musician Giovanni Dal Monte, accompanies this metamorphosis. In the music score, becoming universal as it also comprises a singing choir in Esperanto, you perceive influences relating us to the vast mystery of nature and to the vital cycle of human being.

RSVP – In order to organize this event at its best, we kindly ask you to confirm your attendance by sending an e-mail to info@cacticino.net

L'ESSENZA DEL DIPINTO___di Anna Mazzucco

[Per gentile concessione di Extra, inserto del Corriere del Ticino]

UNPAINTED_Francesca Guffanti

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unpainted

Francesca Guffanti

Vernissage_sabato 16 aprile 2011 alle 17:30

16 aprile – 22 maggio 2011

Ve-sa-do_14:00-18:00 e su appuntamento

UNPAINTED è il titolo della seconda mostra personale che Francesca Guffanti (Italia-Svizzera, 1962) inaugura sabato 16 aprile presso il CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino.

In un’epoca storica, in cui le certezze ideologiche e le avanguardie si sono fortemente assopite per lasciare posto alle mode, alla televisione, alle tecnologie, ai modelli estetici recenti e alle strategie di mercato, il ritorno all’iconologia grazie alla realizzazione materiale e corporale del concetto è uno dei tanti aspetti dell’arte post-contemporanea. Se di buoni artisti concettuali e installativi ve ne sarebbero tanti, di bravi pittori, nonostante la riapparizione non tanto recente di questo linguaggio, ce ne sono fortunatamente ancora pochi. L’esigenza da parte di autori e pubblico di riappropriarsi di un mezzo tanto antico, quanto universale, risiede nell’esigenza di molti di tornare a misurare il tempo al di fuori della mistificazione tecnologica e virtuale, a ripensare in tempo reale l’immagine e i suoi significati. Così come la pittura e la sua storia.

Francesca Guffanti è pittrice.

UNPAINTED è un corpus di lavoro, che si suddivide in tre momenti distinti, dove l’artista italiana dichiara apertamente la sua appartenenza linguistica: la pittura, appunto. Lo fa attraverso il pensiero delle campiture di colore e dell’arte, la sua storia, e lo studio del mezzo pittorico. I temi continuano ad essere quelli attorno all’universo femminile, che intride in gran parte il lavoro recente di Guffanti. Il suo studio in questi ultimi mesi implica il guardare la storia e il citazionismo come elemento di confronto con essa, nonché di recupero della coscienza storica in bilico tra dinamismo e tradizione: Michelangelo Caravaggio, Il Pontormo e David Hockney.

Rimettere in seria discussione le avanguardie astratte, futuriste e concettuali che hanno permeato e dominato tutto il Novecento, scardinando l’arte pura e dura dal suo contesto di nicchia, è uno degli elementi di ricerca fondamentali della pittrice di Monza.

La Deposizione (2010), L’Annunciazione (2010) e La Visitazione (2011), olio su tela il primo e su carta gli altri due, tutti di grande formato, riconducono immediatamente al concetto di incontro, che Francesca Guffanti trasla al mondo femminile, ricollocandolo entro l’universalità e la centralità dell’arte e dell’essere umano nell’epoca post-contemporanea in cui viviamo.

La mise en abîme, cui si sottopone l’autrice, immortalandosi in autoritratti, rappresenta lo sviluppo tematico dell’‘incontro’ come condivisione e definizione di identità. La nudità è la simbolica sublimazione e spogliazione dell’io per la ricerca del sé, cui Guffanti dà corpo e significato anche attraverso un intervento video in grado di riprodurre la liturgia dell’atto dell’incontrarsi e della compartecipazione.

Il terzo corpo della mostra, anch’esso di recente produzione, è rappresentato dalla favola e in particolare dai personaggi di Cappuccetto Rosso, la nonna, il Lupo e il Cacciatore. Piccole e sensuali icone che si alternano tecnicamente tra olio su tela e acquerello su carta, le opere rappresentano tasselli della famosa favola, laddove l’artista riflette sull’attribuzione di ruoli morali ai diversi personaggi. Come sempre, nel caso di Guffanti, l’aspetto analitico, a tratti gentilmente ossessivo, è una costante del suo lavoro e della sua ricerca, partendo – nello specifico di questo nuovissimo lavoro – dagli scritti e dalle versioni letterarie o iconologiche dei Fratelli Grimm e di Charles Perrault.

A compendio della mostra sarà proiettata nel lounge Il sangue segreto delle cose, intervista video (2011) di Mario Casanova, in cui Francesca Guffanti parlerà senza veli di se stessa e dell’arte (a cura e per la regia di Pier Giorgio De Pinto).

Mario Casanova, 2011

UNPAINTED

Francesca Guffanti

Vernissage_Saturday 16 April 2011 at 5.30 p.m.

16 April – 22 May 2011

Fri-Sat-Sun_2.00-6.00 p.m. or by appointment

UNPAINTED is the title of the second solo show that Francesca Guffanti (Italy-Switzerland, 1962) is due to inaugurate on Saturday 16 April in the CACT Contemporary Art Centre in Canton Ticino.

At a time in history when ideological certainties and the avant-gardes have lost much of their impact, giving way to fashions, to television, to technologies, to the latest aesthetic models and to market strategies, the return to iconology achieved by means of the material and corporal achievement of the concept is one of the many aspects of post-contemporary art. While there is no shortage of viable conceptual and installation artists, there are fortunately still very few good painters, despite the fact that the language has made a comeback to the scene – and not so recently, at that. The need for artists and the public to take possession of a medium as ancient as it is universal resides in the requirement perceived by many: a need to go back to measuring time without any of today’s technological and virtual mystification, to work in real time to reappraise the image and its meanings. Such as painting and its history.

Francesca Guffanti is a painter.

UNPAINTED is a body of work that can be classified in three distinct moments, when this Italian artist makes an unabashed declaration of her linguistic affiliation: to painting, naturally. She does so by conceiving colour fields and her art, its history and her study of the medium of painting. Guffanti’s themes are consistently focused on a feminine world, which permeates so much of her recent work. Of late, her study has implied observing history and quotationism as an element used to measure up with it, as well as to revive an established awareness that is balanced on the knife-edge between dynamism and tradition: Michelangelo, Caravaggio, Pontormo and David Hockney.

Seriously questioning the abstract, Futurist and conceptual avant-gardes that permeated

and dominated the entire twentieth century, setting the purity of Art for Art’s Sake free from its niche context, is one of the underlying elements of the research conducted by this painter who lives in the north Italian city of Monza.

The Deposition (2010), The Annunciation (2010) and The Visitation (2011), the first oil on canvas and the other two on paper, all three in a large format, immediately conjure up the concept of meeting, which Francesca Guffanti then transfers to a female world, relocating it between the universality and the centrality of art and of the human being in the post-contemporary era in which we now live.

The mise en abîme to which the artist subjects herself as she captures her image for posterity in self-portraits constitutes the development on the theme of the “meeting” as a moment of sharing and defining an identity. Nudity stands for the symbolic sublimating and stripping of the ego in search of the id, to which Guffanti gives body and meaning with her video work, which has the ability to reproduce the ritual of the act of meeting and of sharing.

The third body of this exhibition is another recent production that represents the fairy tale and in particular the characters in Little Red Riding Hood: the grandmother, the wolf and the huntsman. Sensual little icons that alternate in technique between oil on canvas and watercolour on paper, these works represent stages in the famous tale, in which the artist ponders how moral roles are attributed to the various characters. As always in Guffanti, the aspect of analysis – which sometimes verges on the politely obsessive – is a constant in her work and her research, in the specific case of this brand-new piece starting from the writings and the literary and iconological versions of the Grimm Brothers and of Charles Perrault.

As an accompaniment to the exhibition, the lounge in the venue will host a screening of the video interview Il sangue segreto delle cose (The secret blood of things), conducted in 2011 by Mario Casanova, in which Francesca Guffanti casts all restraints aside as she talks about herself and her art (curated and directed by Pier Giorgio De Pinto).

Mario Casanova, 2011 [translation Pete Kercher]

The Living Room at 5 o'clock presenta: MIRKO ARETINI. Rassegna video. Conferenza e dibattito

The Living Room at 5 o'clock presenta


MIRKO ARETINI. Rassegna video. Conferenza e dibattito.

Sabato 12 marzo 2011 alle ore 17:00
CACT Centro d'Arte Contemporanea Ticino
Relatori: Angela Madesani e Jean-Marie Reynier
Moderatori: Mario Casanova & Pier Giorgio De Pinto

L'opera di Mirko Aretini (1984), artista video, filmmaker e scrittore, è stata oggetto del secondo incontro parlato al CACT. Dopo una proiezione di suoi video selezionati, si è tenuta una conferenza-presentazione a cura di Mario Casanova e Pier Giorgio De Pinto. Gli ospiti-relatori invitati sono stati Angela Madesani, nota storica e critica dell'arte, curatrice indipendente, nonché esperta di fotografia e video arte, e Jean-Marie Reynier, artista, critico e curatore per I Sotterranei dell'Arte.

Sorry, lecture held in Italian

CONCETTO E VISIONE. L'IMMAGINE SOSPESA. Donato Amstutz al CACT

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Il CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino inaugura sabato 26 febbraio 2011 la prima esposizione personale di Donato Amstutz.

Parigino d’adozione, l’artista svizzero affronta e realizza da anni il suo lavoro in maniera consequenziale, laddove, solo apparentemente, lo stilema scelto ci induce verso la tradizione della rappresentazione pittorica.

CONCETTO E VISIONE. L’IMMAGINE SOSPESA è il titolo che ho scelto per presentare questa mostra, proprio a suggerire i diversi aspetti del procédé artistico di Amstutz, che torna in maniera centripeta verso la (con)figurazione dell’uomo e della sua esistenza, in bilico tra analisi della realtà e visione. Osservatore acuto e preciso, l’incipit del suo lavoro prende viepiù forma dallo studio antropologico della Storia e delle storie di ognuno di noi, attraverso la raccolta e il recupero sistematico di immagini comuni e talvolta banali; spesso fotografie collezionate dalla cronaca giornalistica o da riviste vintage, che l’artista prende in considerazione e approfondisce a partire dai tanti volti caduti nell’anonimato. La sua è una verace reazione del soggetto ‘uomo’ all’iperproduzione di immagini. Sul mezzo giornalistico egli si sofferma più di altri, nella sua riflessione, segno di un tempo della liturgia, della reiterazione e riproducibilità, e dell’elaborazione/manipolazione politica della realtà riflessa ...mezzi di comunicazione di massa, Internet compreso, ch’egli filtra e fa sue, concentrandosi prevalentemente sulla produzione giornalistica, quale elemento di fragilità votata al disfacimento.

Amstutz colleziona, isola e taglia fotografie in bianco e nero tratte da quotidiani, mezzo di comunicazione democratico e informativo per eccellenza, e realtà di un giorno. Lo fa, consapevole che il domani sarà un altro giorno. Catturare queste immagini, decontestualizzarle, decostruirne il significato originale e ricostruirne un significato sublime, ri-fotocopiarle ingrandendone l’effetto offset, è il procédé primo dell’artista. Egli lo fa per entrare nell’immagine ridandole senso, e con lo scopo di ricollocare l’uomo entro il confronto con la post-contemporaneità che ci circonda. L’universo della tecnica e della tecnologia ha sicuramente riconfigurato le nostre modalità d’osservazione, dando vita ad una nuova estetica che attinge al mondo liturgico delle immagini riflesse.

La consistenza del materiale cartaceo d’origine viene coerentemente ripresa dall’artista con la leggerezza del cotone bianco, su cui l’artista ricama a mano le sue figure – perlopiù volti di donne – lentamente e con una perseveranza estenuante piacevolmente artigianale… come un vecchio ricamatore al suo telaio, che, nell’atto del fare e del riprodurre ferma il tempo virtuale per riappropriarsi di quello reale.

Questo è il fine principe di Amstutz.

A più riprese ho scritto di quanto l’arte abbia saputo ancora una volta e sempre dimostrare la sua totale incapacità di adattamento e integrazione al mondo reale, nello specifico di una società borghese fortemente connotata da una virtualizzazione recrudescente; se non subirne i diktat molto spesso impostisi attraverso i molteplici modelli estetici.

Egli si oppone alla macchina, strumento politico per la sottomissione dell’uomo: Amstutz si contrappone alla capacità dell’apparato, del mondo della produzione esagerata d’immagini destinata alla mistificazione all’effimero, di privarci di visione e umanità. Le sue donne, i suoi personaggi finora anonimi, ricamati con paziente e ossequiosa dedizione riproducendo il sistema offset, riacquistano una identità e un valore umano soggettivi; Donato Amstutz ricostituisce la possibilità dello spettatore di ritrovarsi, di ritrovare intimamente l’anima persa nella moltitudine.

Mario Casanova, 2011

On Saturday 26 February 2011, the CACT Centre of Contemporary Art in Canton Ticino is inaugurating the very first one-man show to be held by Donato Amstutz.

Parisian by choice, the Swiss artist has spent years tackling and undertaking his work coherently, in a situation where the styleme only apparently induces us to tend towards the tradition of pictorial representation.

CONCEPT AND VISION. THE SUSPENDED IMAGE is the title I have chosen to present this exhibition, as it lends itself well to suggesting the various different aspects of the artistic approach adopted by Amstutz, who refocuses centripetally on man’s (con)figuration and his existence, balanced on the knife-edge between an analysis of reality and vision. As an acute, precise observer, his work’s starting point tends to take shape around the anthropological study of history and of the individual stories of every one of us, which the artist tackles by collecting and systematically recuperating common and sometimes commonplace images; often photographs that he has gleaned from daily newspapers or from vintage magazines, where he has a penchant for appraising and evaluating the many faces that have lapsed into oblivion since they were first published. His is a gut reaction of a man as subject to today’s overproduction of images. He dwells longer in his reflection on the journalistic medium than others, treating it as a sign of the timeframes of a liturgy, of reiteration and reproducibility and of the political elaboration and manipulation of the reality it reflects... mass communications media, including the Internet, that he filters and makes his own, concentrating primarily on journalistic output as an element of fragility destined for decline.

Amstutz collects, isolates and cuts out black and white photographs taken from newspapers, communication media that are democratic and informative by their very nature, reflecting the reality of a given day. And he does so with the awareness that tomorrow will be another day. Capturing these images, taking them out of their contexts,

deconstructing their original meaning and constructing a sublime new one for them, re-photocopying them to blow up their offset effect: all this is the artist’s basic approach. His purpose in doing this is to delve inside the image and give it new meaning, so as to put man back into the equation of the post-contemporary world around him. There’s no doubt that the advent of science and technology has redesigned the way we see and look at things, giving life to a new aesthetic that draws on the liturgical paraphernalia of reflected imagery.

The artist revives the consistency of the original paper material with the lightness of white cotton, on which he embroiders his figures – usually women’s faces – slowly, by hand and with the endearing, extenuating perseverance of the craftsman… like an old embroiderer at his frame, who stops virtual time in his act of making and reproducing, so as to take back real time.

And that is the principal aim of Amstutz.

I have written on several occasions about how art has once again and always come back to demonstrate its own complete inability to adapt to and integrate with the real world, specifically the real world of a middle-class society that bears a strong imprinting of resurgent virtualisation, when it is not subject to its diktats that are often imposed through a variety of aesthetic models.

Amstutz opposes the machine, the political instrument used to hold man in subjection, standing up in opposition to the ability of the apparatus, of that world that generates an exaggerated quantity of imagery destined for mystification and impermanence, to deprive us of vision and humanity. His women, all those characters of his that have thus far been anonymous, embroidered with patient, obsequious devotion to reproducing the offset system, acquire a new subjective identity and human value. Donato Amstutz restores the observer’s ability to find himself, to rediscover the intimacy of the soul he had lost in the teeming multitudes

Mario Casanova, 2011 (translation Pete Kercher)

Time is Love 4 on ch-arts !

ch-arts

TIME IS LOVE 4

(Testo in italiano sotto)

 TIME IS LOVE 4

Video Art International Exhibition

Curated by Kisito Assangni

CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino

Saturday 22 Janury 2011 at 5:00 p.m.

Kisito Assangni, Vienne Chan, Jennida Chase, Osvaldo Cibils, Martin Dege, Kokou Ekouagou, Pauline Horovitz, Neil Howe, Karen Landey, Lemeh42, Rachel Maclean, Adamo Macri, Kika Nikolela, Antti Savela, Guy Wouete

TIME IS LOVE is an annual exhibition of single-screen and projectable videos from an international selection of artists. It takes place at a gallery, art centre, museum, university in different cities in the world by edition.

Time is Love presents approximately fifteen works made in the last three years by artists active around the world. This exhibition explores the idea of love in these hard times and socio-cultural interference, the way in which technology and society give rise to new forms of artistic expression by using the new media.

For those who think ‘time is money ’, time is love. This is the theme according to the artists’ references. The exhibition aims to consider the work of these artists as part of the global phenomenon that is contemporary art, and asks the audience to reflect upon how the time that led to the production of these works was formed.

The project wishes to support and promote the new movements and trends in contemporary culture. It presents video artists who try to transform society through their work. Art that transgresses boundaries of culture and provide a resource of visual ideas.

It is a showcasing opportunity for emerging and established artists who are pushing the elements of video and moving image practice. It is also an opportunity for audiences to engage with video works by gaining greater understanding and enjoyment.

The selected videos are innovative works which use technology in ingenious way with narrative, non-narrative, documentary, animation, performance or experimental.

Kisito Assangni, born in 1975 studied at école Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris. He is an artist and independent curator currently living between London and Paris. His artwork and projects primarily question post-globalization impact and psycho-geography.

His works have been shown internationally, including the Musée des Arts Derniers, Paris; ICA, London; Sikkema Jenkins & Co, New York; The Illinois Institute of Art, Chicago; French Institute, Washington DC; Bluetenweiss, Berlin; New Art Projects, Beijing (China); Bell-Roberts Gallery, Cape Town (South Africa)…

He is the founder and curator of Time is Love screening.

Time is Love has presented more than 50 international artists; Time is Love 1, Galerie Octobre, Paris (2008), Time is Love 2, Studio1.1 Gallery, London (2009), Time is Love 3, Werk-Raum, Berlin (2010), Time is Love 4, CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino (2011), Time is Love 5, Heyagon Space, Baltimore (2011).

TIME IS LOVE 4

Rassegna internazionale di Video Arte

A cura di Kisito Assangni

CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino

Sabato 22 gennaio 2011 alle 17:00

Kisito Assangni, Vienne Chan, Jennida Chase, Osvaldo Cibils, Martin Dege, Kokou Ekouagou, Pauline Horovitz, Neil Howe, Karen Landey, Lemeh42, Rachel Maclean, Adamo Macri, Kika Nikolela, Antti Savela, Guy Wouete

TIME IS LOVE è un’esposizione annuale di video a un canale tratti da una selezione di artisti internazionali. Essa ha luogo in una galleria, un centro d’arte, museo, un’università ubicate in città del mondo diverse per ogni edizione.

L’esposizione presenta approssimativamente una quindicina di lavori realizzati negli ultimi tre anni da altrettanti artisti attivi nel mondo intero. Questa esposizione esplora il concetto di amore in questi tempi di difficoltà e di interferenza socio-culturale, dove la tecnologia e la società danno vita a nuove forme di espressione artistica attraverso l’uso di nuovi media.

Per coloro che pensano che ‘il tempo è denaro’, il tempo è amore. Tale è il tema compatibile con l’orientamento degli artisti. L’esposizione ambisce a considerare l’opera di questi autori come parte di un fenomeno globale dell’arte contemporanea, chiedendo al pubblico di riflettere sulle modalità e sui motivi, secondo cui il tempo ha portato alla realizzazione di questi lavori.

Lo scopo del progetto è quello di sostenere e promuovere i nuovi movimenti e le nuove tendenze nella cultura contemporanea. Esso fa vedere artisti video, che cercano di trasformare la società attraverso il loro lavoro... l’Arte che trasgredisce i confini della cultura, offrendo nuove risorse per idee visuali.

Si tratta di un’occasione per mostrare artisti emergenti e riconosciuti, in grado di sostenere la pratica del video e dell’immagine in movimento. Si tratta, inoltre, di un’opportunità per il pubblico di occuparsi di arte video, incentivandone la conoscenza e l’apprezzamento.

I video selezionati sono opere innovative, che impiegano intelligentemente la tecnologia in maniera narrativa, non-narrativa, documentaria; l’animazione, la performance o la sperimentazione.

Kisito Assangni è nato nel 1975 e ha completato i suoi studi all’école Nationale Supérieure des Beaux-Arts di Parigi. Egli è artista e curatore indipendente, attualmente residente tra Londra e Parigi. La sua opera artistica e i suoi progetti interrogano principalmente l’impatto della post-globalizzazione e della psico-geografia.

Il suo lavoro è stato mostrato a livello internazionale, all’interno di istituzioni quali il Musée des Arts Derniers, Paris; ICA, London; Sikkema Jenkins & Co, New York; The Illinois Institute of Art, Chicago; French Institute, Washington DC; Blütenweiss, Berlin; New Art Projects, Beijing; Bell-Roberts Gallery, Cape Town.

Kisito Assangni è fondatore e curatore della rassegna video Time is Love.

Time is Love ha presentato, negli scorsi anni, più di 50 artisti internazionali, e in particolare Time is Love 1, Galerie Octobre, Paris (2008), Time is Love 2, Studio 1.1 Gallery, London (2009), Time is Love 3, Werk-Raum, Berlin (2010), Time is Love 4, CACT Centro d’Arte Contemporanea Ticino (2011), Time is Love 5, Heyagon Space, Baltimore (2011).