AMAE - MYBODYISYOURBODYPROJECT - The OTHERSELVES Series, Act 1: Indelible at ]Performance Space[ London

[Scorri verso il basso per la versione in italiano]

AMAE - MYBODYISYOURBODYPROJECT - The OTHERSELVES Series, Act 1: Indelible

]Performance Space[

London, Hackney

Thursday 5th December 2013 (7 p.m. – 9 p.m.)

https://www.facebook.com/performancespace?fref=ts

Act 1: Indelible

A new performance, open to anyone, but where any same sex couple is invited to use a tattoo machine to inscribe an indelible mark on the performer's skin. "This piece is beyond trust. It is more about care. AMAE will offer its body to be used for the sharing of feelings.”

AMAE furthers its exploration of Queer Theory with a deeper insight into the notion of care within performance art in relation to the audience's body and the categorization of people in modern society.

“AMAE’s human skin is collecting something deeper than simple touch. We are witnessing individual and collective feelings and we will treasure them by wearing them on our skin. AMAE will share these inscribed feelings with anyone who senses that something frightening is lurking in the world in which we live.”

The OTHERSELVES series is an ongoing project in which the body becomes a safe place, a sheltering tree, and a tablet written by all those minorities who are often pushed to the edges of society.

/////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////

AMAE - MYBODYISYOURBODYPROJECT - The OTHERSELVES Series, Act 1: Indelible

]Performance Space[

Londra, Hackney

Giovedì 5 dicembre (19:00 – 21:00)

https://www.facebook.com/performancespace?fref=ts

Act 1: Indelebile Una nuova performance, aperta a tutti, ma dove ogni coppia dello stesso sesso è invitata ad usare una macchinetta per tatuaggi, al fine di lasciare un segno indelebile sulla pelle del performer. “Quest’opera va oltre la fiducia. Tratta principalmente di attenzione, considerazione, cura. AMAE offre il proprio corpo per la condivisione di sentimenti.”

AMAE continua ad indagare nell’esplorazione della Teoria Queer attraverso una più profonda analisi interna alla nozione di "considerazione" nell’ambito dell’arte performativa in relazione al corpo del fruitore e alla categorizzazione nella società moderna.

“L’epidermide umana di AMAE sta raccogliendo qualcosa di più intimo del semplice tocco. Siamo testimoni di sentimenti individuali e collettivi e ne faremo tesoro indossandoli sulla nostra pelle. AMAE condividerà

questi sentimenti inscritti con chiunque in grado di sentire che qualcosa di spaventoso abita il mondo in cui viviamo.”

La serie OTHERSELVES (gli altri Sé) è un progetto in corso, in cui il corpo diventa un luogo rifugio, un albero che protegge, una stele scritta da tutte quelle minoranze che sono spesso spinte ai margini della società.

MACT/CACT Membership campaign 2014

[Scroll down for the English version]

L’anno 2014 segna il ventesimo anniversario della fondazione del MACT/CACT e della sua presenza sul territorio ticinese, con particolare attenzione al resto della Svizzera e all’Italia.

Con DIALOGOS (2), ultimo momento espositivo del corrente anno centrato sull’interessante e attuale dialogo tra artisti e curatori per la cura di Riss(e), si apre anche la campagna di tesseramento 2014 del MACT/CACT, che vede come prima novità l’aggiunta di un nuovo museo svizzero sulle nostre tessere di amico e sostenitore: il Kunstmuseum Luzern (www.kunstmseumluzern.ch) diretto da Fanni Fetzer. Il Museo di Lucerna, nella cornice architettonica disegnata da Jean Nouvel e unitamente alla Collezione Angela Rosengart (www.rosengart.ch), rappresenta per il capoluogo lucernese un’importante presenza museologica e museografica nell’ambito delle arti visive.

La stagione 2014, di cui vi rimandiamo volentieri al nostro sito www.cacticino.net, prevede 5-6 esposizioni tematiche. Da segnalare in particolare la personale di Martin Disler (1949-1996), dal titolo METAMORFOSI E L’ESPRESSIONE DELL’ARCHETIPO, che segna – dopo vent’anni esatti dalla sua precedente e prima esposizione personale ed inaugurale del MACT/CACT – il ventennale del nostro Istituto. Il silenzio, la Wunderkammer, la ripresa di un linguaggio dal retrogusto vagamente dadaista e totale, l’affermazione e la (ab)negazione del corpo, la decostruzione della bellezza sono i temi che affronteremo nel corso del 2014, iniziando a dare spazio – nel 2015 – alle collaborazioni con collezioni private d’oltre cantone.

La tessera di amico e sostenitore del MACT/CACT, oltre alle entrate gratuite nei musei e alla ricezione della nostra collana di Cahiers d’Art su temi di approfondimento paralleli alle mostre o direttamente collegati ad esse, offre – per alcune delle proposte di tesseramento combinato –, la possibilità di ricevere a casa alcune riviste specializzate in ambito artistico come Parkett, Spike Quarterly e Arte e Critica, nonché il pass permanente ad Art Basel per tutta la sua durata.

A chi volesse seguirci su Facebook, consigliamo di consultare la pagina MACT & CACT Arte Contemporanea Ticino (https://www.facebook.com/CactCentroArteContemporaneaTicino)

Il MACT/CACT vi augura uno splendido 2014 all’insegna dell’arte, dello svago e della lettura.

  

In 2014 MACT/CACT celebrates the twentieth Anniversary of its foundation and presence in Ticino, paying particular attention to the rest of Switzerland and Italy.

With DIALOGOS (2), last exhibition of the current year focusing on the dialogue between artists and curators organized in collaboration with Riss(e), the new Membership campaign 2014 of MACT/CACT also starts. The first information is the addition of a new museum within the institutional collaboration among Swiss Museums: the Kunstmuseum Luzern (www.kunstmseumluzern.ch) directed by Fanni Fetzer appears now on our cards. The Lucerne Museum of Art, in the architectural cornice designed by Jean Nouvel and together with the Angela Rosengart Collection (www.rosengart.ch), represents for the capital of the Canton Lucerne an important presence in the framework of cultural Swiss geography.

For the new season 2014 (find out more on www.cacticino.net) 5-6 thematic exhibitions have been scheduled. In particular the one-man show of Martin Disler (1949-1996), entitled METAMORPHOSIS AND THE ARCHETYPE EXPRESSED, which celebrates – after twenty years since his first solo show in MACT/CACT – the anniversary of our Institution. The silence, the Wunderkammer, some Dada and Ttotal languages, affirmation and self-abnegation of the body, beauty and deconstruction, these are the main topics we’re going to approach during 2014, slowly beginning to enhance the collaborations with private collections in 2015.

The membership card for friends and supporters of MACT/CACT, beside the entry free of charge to the museums mentioned on the card and the complete series of Cahiers d’Art on themes about exhibitions and art in general, offers – as far as some combined membership proposals are concerned –, the possibility to receive at home international art magazines such as Parkett, Spike Quarterly and Arte e Critica, as well as the permanent pass to Art Basle.

For those, who want to follow us on Facebook, we invite them to browse the page MACT & CACT Contemporary Art in Canton Ticino (https://www.facebook.com/CactCentroArteContemporaneaTicino)

The MACT/CACT wishes you a very beautiful 2014 made of art, entertainment and reading.

CSABA KIS RÓKA at acb Gallery Budapest / 2013

[English and Hungarian]

Csaba Kis Róka - Extinction is a formof art / Kihalni tudni kell

Csaba Kis Róka is known for his unique and expressive painterly universe. His imagery is based on the Central European male experience with all its taboos, along with the historical heritage of romantic nationalism and militarism. Kis Róka’s visual dictionary is derived from a wide range of visual languages from the Christian iconography of suffering, through B-category horror movies, to the traditions of representation in local historical painting. The violence of his bloody crowd scenes has primarily to do with dominance and male power, the manifestations of which are both a historical phenomenon and a still existing experience for those born and raised in the societies of the Central and Eastern Europe.

Kis Róka’s phraseology combines the painterly tradition of the period between the late renaissance and the late 19th century with the approach of early 20th century expressionist painting. The artist often uses classic compositional patterns as prefiguration for his narrative tableaux, thus amplifying the tension between content and form.

The style of Kis Róka’s newer series of paintings has moved from narrativity towards a more painterly approach, where the emphasis shifts from a detailed depiction of various acts of violence to the expressive tools of painting. Therefore, the compositions of the pictures have been simplified; the figures in the paintings depict individual phases, rather than actions.

The exhibition entitled Extinction is a form of art draws a caricature of contemporary society through a possible future, as a potential outcome of extremist responses to the economic and social problems recently culminating both worldwide and in Hungary. The escalation of palpable economic and social disparities causes remarkable distortions worldwide. As the puzzled masses of welfare societies experience their economic decline, they become increasingly furious and more prone to manipulation an account of tendencies beyond their influence. Perhaps in their desire to create order from the chaos, people increasingly believe that violence can be a solution to these problems. The paintings shown in the exhibition capture a possible final stage of this course, where the individual, as a creature abandoned, must face the acts of its own making. The wait for a future Armageddon is part of every culture. In our age, the fear of the collapse of human civilization and the depiction of imagined post-apocalyptic conditions are perhaps most strikingly – and most effectively, in terms of reaching the masses – represented through the medium of cinema. The world presented by Kis Róka reveals a close relationship with these depictions of decay and human degradation.

Kis Róka Csaba különleges, expresszív festői univerzumáról ismert. Ábrázolásainak hátterében a Közép-európai férfi-tapasztalat áll, összes tabujával és a romantikus nacionalizmus és militarizmus történelmi örökségével. Kis Róka vizuális szótára számos különböző képi hagyományból merít a szenvedés keresztény ikonográfiájától kezdve a B-kategóriás horrorfilmeken át a lokális történelmi festészet ábrázolási tradícióiig. Véres tömegjeleneteiben minden erőszak a dominanciáról és a férfihatalomról szól, amelynek megnyilvánulásai történelmi és mai napig is létező tapasztalatot jelentenek mindazok számára, akik a Közép- és Kelet-Európai társadalmakban születtek és nevelkedtek.

Kis Róka kifejezésmódjában a késő-reneszánsztól a 19. század végéig tartó festészeti hagyomány keveredik a 20. század eleje expresszionista festészetének felfogásával. A művész gyakran használ klasszikus kompozíciós mintákat narratív tablóinak előképéül, ezzel is erősítve a feszültséget tartalom és forma között.

Kis Róka festményei a közelmúltban a narrativitás felől a festőibb megközelítés irányába mozdultak, amelyben a válogatott erőszakos cselekmények részletekbe menő ábrázolása helyett a festészet expresszív eszközeire helyeződik át a hangsúly. Ebből adódóan a képek 

kompozíciója is egyszerűsödött, a festményeken szereplő figurák akciók helyett már inkább egy-egy stádiumot ábrázolnak.

A Kihalni tudni kell című kiállítás a jelenkori társadalom torzképét rajzolja meg egy lehetséges jövőn keresztül, mely a nagyvilágban és Magyarországon mostanában kulminálódó gazdasági és társadalmi problémákra adott szélsőséges reakciók egyik potenciális végkifejlete. A napjainkban érezhető gazdasági és társadalmi különbségek kiéleződése látványos torzulásokat okoz szerte a világon. A jóléti társadalmakban a gazdasági lecsúszást megélő tanácstalan tömegek egyre dühösebbé és manipulálhatóbbá válnak az általuk nem befolyásolható tendenciák miatt. Az emberek, talán a rend létrehozásának vágya okán, egyre szélesebb körben hisznek abban, hogy az erőszak megoldás lehet a problémákra. A kiállításon szereplő festmények ennek a folyamatnak egy lehetséges végstádiumát ragadják meg, ahol az egyén magára maradt lényként néz szembe a saját maga által elkövetett tettekkel. Az eljövendő Armageddon várása minden kultúra része. Korunkban talán a film műfajában jelenik meg a legszembeötlőbben – és a szélesebb tömegeket leginkább elérő módon – az emberi civilizáció megsemmisülésével kapcsolatos félelem, illetve az elképzelt poszt-apokaliptikus állapotok ábrázolása. A pusztulás és az emberi lealacsonyodás ilyenfajta ábrázolásaival mutat szoros rokonságot a Kis Róka által bemutatott világ.

XVII BIENNALE DI PENNE a cura di Antonio Zimarino, Penne, Italia / 2013

Ecco alcuni documenti fotografici della XVII Biennale di Penne (Pescara), 2013.

Ph. Fabrizio Sacchetti

XVII Biennale d'Arte Città di Penne

9 Novembre – 19 Novembre 2013

L'Arte Contemporanea è per sua stessa condizione e struttura un interrogativo. La sua complessità di linguaggi e rimandi è lì per ricordarci di praticare l'alterità del pensiero nel nostro tempo omologato. La rassegna Unexpected stories – between places and walls presenta una selezione complessa e significativa delle declinazioni della video arte contemporanea: analitica, documentaristica, narrativa, onirica, simbolica, iconica, performativa, analogica e digitale.

L’internazionalità delle proposte, ci guida attraverso le tendenze, le idee e gli approcci di culture ed esperienze molto diverse da quella italiana, per altro ottimamente testimoniata nella rassegna. La reticolarità è stato il criterio che ha guidato il percorso di costruzione critica della Biennale, intesa come scambio costruttivo con realtà ed esperienze curatoriali ed espositive nazionali e internazionali, condivisione dei temi del progetto, costruzione collettiva di significati, strategie, allestimenti, soluzioni.

Avremo quindi la possibilità di osservare sensibilità e sguardi diversi dal nostro, testimonianze di diverse mentalità, idee, linguaggi, contesti attraverso cui fare un'esperienza densa e profonda della creatività contemporanea. L'approccio curatoriale aperto aggiunge un nodo alla riflessione sulla pluralità tipica della visione contemporanea che verrà svelata non solo attraverso la ricerca dei video d'arte legati progettualmente all'idea di restituzione – rinascita – svelamento – recupero – attenzione al particolare, ma anche attraverso la proiezione di immagini video della città e dei suoi monumenti significativi, realizzati durante un'apposita campagna di riprese aeree con droni dotati di telecamere ad alta definizione. Il fine è quello di mostrare l'intima, nascosta bellezza propria alla/alle città e alle sue possibili relazioni.

Gli artisti

Mirko Aretini,  Flavia Bigi, Silvia Camporesi, Paolo Dell’Elce, Pier Giorgio De Pinto, Ryan Spring Dooley, Franco Fiorillo, Hrvoje Hirsl, Franco Losvizzero, Serena Porrati, Massimo Vitangeli

Ivan Argote, Alban Muja, Laura Napier, Anne Percoco,  Jan Pfeiffer, Daniel Seiple, Philippe Van Wolputte

I luoghi della Biennale

San Giovanni Evangelista, Piazza Luca Da Penne, Museo d'Arte Moderna e Contemporanea (Mamec), Museo Archeologico.

Curatori

per Unexpected stories – between places and walls: Antonio Zimarino, con Mario Casanova, Ilaria Caravaglio, Rossella Iorio, Valeria Ronzitti.

Per Playscapes/Workscapes/Innerscapes. Appunti di viaggio al confine fra arte e urbanistica: Marco Antonini.

  

  

 

   

  

MACT/CACT is pleased to inform about some few cultural events in November 2013; new openings and reminders…

A CORRUPT METHOD / UN METODO CORROTTO

Andrea Crociani

Until 30 November 2013

By appointment

Spazio 5B

Via Carlo Salvioni 5B, CH-6500 Bellinzona

Phone +41 (0)79 523 53 90

info@spazio5b.ch

FUORI! ARTISTI

33 artists celebrate the magazine SODOMA

curated by Maurizio Bongiovanni

Opening Wednesday 6 November 2013 at 6.30 p.m.

6 -10 November 2013, from 4.00 p.m. – 9.00 p.m.

Lecture by and with Arturo Schwarz

Saturday 9 November 2013 at 6.00 p.m.

Corrado Levi, Afterall, Paola Angelini, Elena Arzuffi, Enrico Boccioletti, Maurizio Bongiovanni, Jacopo Casadei, David Casini, Umberto Chiodi, Matteo Cremonesi, Vanni Cuoghi, Giovanni De Francesco, Pier Giorgio De Pinto, Matteo Fato, Gaia Fugazza, Nicola Gobetto, Pesce Kethe, L’orMa, Andrea La Rocca, Yari Miele, Gianni Moretti, Giovanni Manunta Pastorello, Alice Pedroletti, Marco Pezzotta, Gabriele Picco, Sergio Recanati, Jacopo Rinaldi, Laura Santamaria, Alessandro Sau, Stefano Serusi, Valter Luca Signorile, Gian Maria Tosetti, Virginia Zanetti

Fondazione Sandro Penna

Via S. Chiara 1, I-10123 Torino

For further information: Maurizio Bongiovanni info@mauriziobongiovanni.com, Enzo Cucco e.cucco@alice.it

Works by Fabrizio Sacchetti and Richard Sawdon Smith

THE SOLITARY BODY: SELF-PORTRAITURE IN CONTEMPORARY PHOTOGRAPHY.

Mirko Aretini, Juha Arvid Helminen, Fiorenza Bassetti, Hicham Benohoud, Stefania Beretta, Edo Bertoglio, David Colin Onze, John Coplans, Pier Giorgio De Pinto, Daniele De Vitis, Uri Gershuni, Aneta Grzeszykowska & Jan Smaga, Elke Krystufek, Jon Jacobsen, Andrea La Rocca, Urs Lüthi, Bjørn Melhus, Bruce Nauman, Paolo Ravalico Scerri, Dorothee von Rechenberg, Silvano Repetto, Mustafa Sabbagh, Fabrizio Sacchetti, Richard Sawdon Smith, Chiara Scarfò, Valter Luca Signorile, Alessandra Spranzi, Annelies Štrba, Eduardo Tachado, David Trullo, Marco Villani, Natale Zoppis

Until 10 November 2013 / Fri-Sat-Sun_2.00-6.00 p.m.

MACT/CACT Suisse

Valter Luca Signorile, Il velo #2, video, 2012

Valter Luca Signorile takes part in The Others, the innovative international exhibition project dedicated to the emerging contemporary art, Turin.

8-10 November 2013

XVII Contemporary Art Review – Penne Biennial

UNEXPECTED STORIES. Between places and walls.

Curated by Antonio Zimarino with Mario Casanova, Ilaria Caravaglio, Rosella Iorio, Valeria Ronzitti

Video installations by

Mirko Aretini, Flavia Bigi, Silvia Camporesi, Paolo Dell’Elce, Pier Giorgio De Pinto, Ryan Spring Dooley, Franco Fiorillo, Hrvoje Hirsl, Franco Losvizzero, Serena Porrati, Massimo Vitangeli

PLAYSCAPES/WORKSCAPES/INNERSCAPES. Travel notes on the boundary between art and town-planning.

Videoscreening curated by Marco Antonini (NY)

Ivan Argote, Alban Muja, Laura Napier, Anne Percoco, Jan Pfeiffer, Daniel Seiple, Philippe Van Wolputte

I-Penne (PE)

9 – 19 November 2013

Pier Giorgio De Pinto, Digital fingerpaint, video, 2013, © PRO LITTERIS / Zürich

VALTER LUCA SIGNORILE / “je ne serai pas seul tant que tu me couvriras” / 2013

”….la possibilità di applicare la psicoanalisi ad altri campi del sapere, diversi da quello specificamente clinico, comporta una "tentazione irresistibile" e insieme un "imperativo scientifico….." S. Freud (1932).

tipologia _ installazione performativa

elementi _ un corpo a terra | 47 coperte isotermiche | televisore | lettore dvd | video dvd loop

descrizione _ 47 coperte isotermiche vengono disposte con l’intervento del pubblico una sopra l’altra coprendo un corpo a terra, un televisore manda in loop un video nel quale un uomo urla in maniera scomposta ed intermittente.

sinossi _ la performance riconduce essenzialmente al contesto psicoanalitico richiamato con la struttura di un rito attraverso l’utilizzo di strumenti di percezione e coinvolgimento sia individuali che collettivi.

Ernesto De Martino, antropologo ed etnografo, chiamava “crisi della presenza” quei momenti della vita nei quali l’uomo, trovandosi di fronte ad eventi traumatici connessi alla propria esistenza o alle proprie relazioni, tra cui fondamentalmente quello della morte ( ma non solo, malattie, conflitti, migrazioni, interruzioni relazionali etc.) sente su di sé la minaccia della propria integrità psicofisica, del proprio agire, nonché una forte sua esclusione sia come elemento collettivo sia come parte del contesto storico di cui fa parte. Ed è proprio con  il rito che, secondo De Martino, l’uomo  reagisce e recupera coscienza e forza (gli stessi Durkheim e Malinowski riconoscono nel rito una funzione sociale e comunitaria).

In particolare In “Morte e pianto rituale. Dal lamento funebre antico al pianto di Maria” 1958, egli affronta

il senso della morte di Cristo in rapporto alla condizione esistenziale dell’uomo nel mondo e al momento

traumatico della esperienza della morte dei propri cari.

Nella particolarità di questo intervento performativo del quale rimane come elemento strutturale l’installazione priva del corpo, il pianto è sostituito dall’urlo (video) che intende rappresentare di per sé la coscienza (se non anche la memoria) ricordando con forza e potenza all’uomo “non cosciente” la necessità di un risveglio e transitoriamente di una rinascita mentre il corpo deposto induce alla duplice interpretazione del sonno o della morte  evocando attraverso la stratificazione delle copertura il sentimento di protezione e distacco di cui esso necessita nella sua relazione con l’altro.

Fonti bibliografiche http://it.m.wikipedia.org/wiki/Ernesto_de_Martino